Né entre les briques rouges et la drache de Lille, MDNS (prononcé « MADNESS ») transforme l’ennui en tempête, les galères en hymnes. Après une première époque marquée par la noirceur new wave, il revient avec un son plus brut, plus frontal, quelque part entre punk, rock indé et urgence de vivre.

Son nouveau titre « ENCORE! » frappe en plein cœur : un refrain pour celles et ceux qui tiennent la route entre deux nuits trop pleines. C’est cru, c’est beau, ça tabasse, et ça reste en tête.

Le clip a été tourné à Lille, au-dessus du bar dans lequel il vit :
« Tourner ce clip dans le bar au-dessus duquel je vis, c’était une manière de revenir à la source. Ce lieu m’inspire autant que les gens qui y passent. C’est là que tout commence, que les idées naissent. Ce clip, c’est un hommage à ce quotidien qui nourrit ma musique. »

Pianiste autodidacte, les mélodies de Chloé Antoniotti racontent des histoires sans paroles. Originaire d’Aix-les-Bains en Savoie, elle a grandi entourée de paysages montagneux à couper le souffle qui nourrissent son imaginaire et inspire ses compositions.

Bouquet II prolonge l’univers floral initié sur son premier EP “Bouquet”, tout en gagnant en maturité et en profondeur. L’écriture s’est façonnée dans un cadre intime, chez ses parents, face aux montagnes, à un moment charnière de sa vie personnelle. Marqué par une rupture amoureuse, cet EP puise sa force dans ce repli créatif, lorsque la musique devient un refuge.

L’univers de l’artiste est empreint de cinéma et de nostalgie. Elle nourrit son imaginaire des films de Miyazaki et la musique de Joe Hisaishi, de Xavier Dolan ou des compositeurs Max Richter et Michel Legrand, tout en puisant dans la délicatesse et l’intimité de Hania Rani ou d’Erik Satie.

Pour apporter plus de profondeur à ses compositions, elle explore les sonorités de différents synthétiseurs, principalement un Juno-106 et un Moog. Ils apportent un son vintage avec leur chaleur analogique et leurs textures imparfaites. Sa musique s’inscrit ainsi dans une lignée évoquant la French Touch de Sébastien Tellier ou encore Andrea Laszlo De Simone.

Elle est aussi profondément influencée par la chanson française (Aznavour, Barbara, Françoise Hardy, Polnareff, Gainsbourg, Brassens), qui façonne son approche mélodique et son goût pour les mélodies intemporelles.

Une gueule, une dégaine, un charisme au capital sympathie immédiat. Une voix grave, délivrant une singularité autant magnétique que confidente. Sam Sauvage, imparable performeur sur scène (il enchaîne une série de 6 Pop Up du Label à Paris, tous complets), la justesse de ses intentions d’interprétation, sa gestuelle dégingandée façon Talking Heads emportent déjà la mise.

Cet auteur-compositeur autodidacte ayant grandi à Boulogne-sur-Mer a branché pour la première fois une guitare à l’adolescence, après la découverte d’un live de Bob Dylan sur YouTube. S’il a beaucoup écouté Bashung, Sam Sauvage ne s’est pas laissé encercler par des influences définies pour construire son vaste alphabet moderne. Chez lui, on trouve une poésie brute, sensible et authentique, un sens de l’observation affiné, le goût des autres, et plus particulièrement pour les marginaux, les noctambules et les rêveurs égarés.

C’est cette ouverture vers l’humain et la société qui transpire dans Les Gens Qui Dansent (j’adore). Sam Sauvage y fait l’inventaire des différents traits comportementaux et humains : spoken word impavide et à la nonchalance accrocheuse, swing robotique qui entre en confrontation avec une guitare western, tendresse empreinte d’une mélancolie sous-jacente.

Avec sa voix à la douceur cristalline, Solann fascine, soigne et ensorcèle.

Entre le coton et le jaillissement à vif, la pureté diamantaire et les turbulences, les courbes envoutantes et le lâcher-prise diffus, le contraste est follement chamboulant. Solann est une guerrière enveloppante, une dissidente magnétique. Qui s’embarque dans un périple mouvant au coeur même de la délicatesse. Contraste toujours sur un tempérament à la fois introverti et hyperactif, combustible et sensible. Prélude à une combinaison paroles et musique faite de langueurs frissonnantes, de tensions contenues, de bombes à retardement et d’explosions libératrices. Un espace où, chez elle, les apparences disparaissent et où ne demeurent que la vérité nue et l’abandon.

Solann aura vu à l’âge de huit ans son père mourir au moins une cinquantaine de fois à la fin de la pièce Don Juan. Il est comédien et intervenant en lycée afin de faire découvrir le théâtre aux élèves alors que la mère (de laquelle Solann tire ses origines Arméniennes) est une touche-à-tout, tour à tour comédienne, styliste, costumière, danseuse dans les cabarets, chanteuse. Enfance au sein des planches donc au point de prendre elle-même des cours et avec le souvenir prégnant de trois cd tournant en boucle dans la voiture : une compilation d’Aznavour, un album d’Agnes Obel et les plaidoiries de Desproges. Beaucoup de mouvements géographiques jusqu’à sa majorité, entre Paris à plusieurs reprises, la Picardie, le Vaucluse. Trois années post-bac dans une école de théâtre à Montreuil entremêlées d’un passage par le mannequinat avant de se fixer définitivement en Provence, presque dans la foulée de sa rencontre déterminante avec Chad Boccara, imparable dénicheur de talents. Un besoin vital de changer d’air et surtout de se rapprocher de sa grand-mère maternelle, personne centrale et essentielle de son existence. Son héroïne, sa boussole pendant la traversée d’une adolescence compliquée, sa confidente avec laquelle elle partage des concerts de musique classique.

Attirée par les artistes anglophones, Solann met sur un piédestal Hozier et Sufjan Stevens, loue la liberté fantaisiste de Bjork et on imagine aussi qu’elle aurait des choses à raconter à Tamino ou à Phoebe Bridgers au coin d’un feu attisé par l’enchanteur Patrick Watson (ce dernier l’a récemment
contactée sur Instagram et, en plus du privilège de faire sa première partie au cours de sa série de concerts au Café de la danse, une collaboration se dessine entre le Montréalais et elle). A partir de son ukulélé, Solann travaille dans son coin, accompagnée du producteur Marsō en studio. Elle ne se fie qu’à son instinct et décide d’opérer, il y a deux ans, une mue en langue française pour courtiser au plus juste ses tourments et ses mises au point frontales. La première personne du singulier s’affirme au milieu d’une écriture cathartique, littéraire, théâtrale, mythologique.

Petit Corps, ballade valseuse à la beauté confondante sur son rapport à son anatomie, s’érige en pièce charnière pour comprendre qu’elle trimballe de profondes griffures. Qu’elle est animée de sensations antagonistes, qu’elle se trouve dans une impasse, qu’elle dresse un constat implacable, ni défaitiste, ni optimiste. La douceur cristalline de la voix irrigue ici la plupart des morceaux où Pomme, Barbara, Camélia Jordana et Aurora pourraient dialoguer ensemble joyeusement.

Obsédante, Solann célèbre ainsi les noces de l’écriture majuscule et de la néo-folk éthérée. En grandes pompes.

La collaboration d’Olivia et Dan a commencé en 2004 pour une bande-originale de film, puis leur travail pour des projets de danse contemporaine a éveillé leur envie de faire des chansons.

A l’avènement de Myspace, premier réseau social qui permettait de partager en direct sa musique avec le public, The Dø a vu sa fanbase grandir rapidement en ligne et en live dans les clubs parisiens.

Leur premier album ‘A Mouthful’ entre directement n°1 du top à sa sortie et est désormais certifié disque de platine en France ; installant rapidement et durablement The Dø comme un groupe incontournable.

De 2005 et 2015, le duo a alterné studio et tournées sans jamais cesser de se réinventer. 15 ans après ce premier album, le groupe ne cesse d’être cité en référence par les générations successives d’artistes (Billie Eilish en tête).

Une voix lumineuse délicatement fêlée, un chant feutré, une suavité aérienne, des trouvailles harmoniques, une richesse mélodique, des passerelles incessantes entre classicisme et modernité. Yorina aligne assez d’arguments pour enchanter les auditoires les plus divers. Une instinctive qui lâche sans crier gare tous les parfums de la séduction avec une certaine forme d’abandon. Qui exprime son élégance racée, son écriture singulière et ses teintes éclatantes dans la retenue. Qui demande protection à la musique pour se retrouver plus armée devant les forces brutes de la vie.

Initialement couturière de profession puis chanteuse par un heureux accident. La bascule remonte à 2015, année où elle confectionne notamment les costumes de scène de The Dø. Au cours d’une soirée chez Dan Levy, force vive masculine du duo – et producteur de Jeanne Added, Thomas Azier ou Laura Cahen – les convives sont invités à chanter un morceau des Beatles. Elle suit le mouvement et emballe instantanément l’assistance dont le principal hôte. Point de départ d’une alchimie artistique qui va se prolonger dans la durée. Levy, le partenaire complice, l’arrangeur hors pair, celui qui va amener son savoir et sa patte à la naissance finale des chansons.

Savoir que Yorina donne l’impulsion à ses morceaux par le piano. Savoir encore qu’elle chante en anglais, non pas par snobisme, mais à cause d’un brassage multi-culturel (père sicilien et pied noir, mère allemande et russe). Fille à la silhouette slave et au physique avantageux (mannequin chez Ford). Fille à la musicalité bipolaire puisque possible de la retrouver aussi au sein de Di Bosco, projet de Dj setting à la souplesse emballante et capable de tendre aussi bien vers l’Italo-disco la plus irrésistiblement déjantée que d’asséner des samples dans la dynamique de l’underground house de Chicago. Elle est de toute façon multiple dans ses engouements musicaux, passant avec un appétit pique-assiette de Bill Whiters, artiste vénéré qu’elle écoute depuis l’âge de 5 ans, à Post Malone ou Gracie Abrams.

Freinée par un changement de label et la crise sanitaire, Yorina aura donc attendu quatre ans pour donner suite au premier chapitre. Si Dry Your Tears, EP traversé par les tourments de l’âme (la disparition de son frère à l’âge de 26 ans) et une mélancolie parée d’espoir, était une éclosion, ce qui s’annonce à venir a tout de la floraison. En témoigne son dernier EP, Bliss & Grief, paru en juin 2022, nous plongeant dans son univers onirique aux accents indie folk et synth pop, dans lequel Yorina déploie une fragilité vibrante et un lâcher-prise essentiel. Profonde et envoûtante.

Aussi bien dans sa trajectoire que dans les références sur lesquelles il s’appuie, Nuit Incolore reste un original à la marge fédératrice, capable de chambouler les affects, les émois, les surmois d’une partie de la jeunesse. Puisque nombreux l’ont déjà rejoint dans les méandres de son âme qui tourbillonne, marchant en rang derrière ses premières chansons et propulsant le garçon comme révélateur d’un mal être générationnel par bouche à oreille et l’entremise des réseaux sociaux. Celui qui a connu sa première caisse de résonnance sur Tik Tok écrit son avenir en accéléré. Sans tambour médiatique et seulement sur la foi de deux EP, Histoires de nuit 1 et 2, il a déjà rempli le Café de la Danse et le Trianon. Avec une troisième mini-livraison de cinq titres, Insomnia, il est parti à l’assaut des festivals.

Se souvenir encore de l’été dernier et d’une banderille triomphante plantée avec le morceau Dépassé, plongée au cœur d’un questionnement sur ses racines vietnamiennes. Effet viral, excès de vitesse en rotation radiophonique et certification de platine (plus de trente millions de streams). A l’amorce de La loi du papillon, nouvel étage en grand format d’une fusée allumée à la rentrée 2022, Nuit Incolore fonce vers les 400 000 abonnées sur la plateforme musicale qui l’a révélé.

Derrière ce nom autant trouble que poétique, se cache Théo Marclay. Timide, introverti, solitaire, attiré par le noir vestimentaire, physique émacié et longiligne de film d’animation asiatique. De lui, il faut savoir une adoption à l’âge de cinq mois par un couple suisse, une enfance qui trouve son décorum dans les montagnes isolées du canton francophone du Valais. Les parents tiennent un magasin de vente et de réparation d’instruments de musique. Le père joue du clavier, la mère de l’accordéon. Ensemble, ils arpentent les bals, essentiellement de la variété française au répertoire. Presque une évidence que le jeune Théo touche alors son premier piano à l’âge de sept ans malgré ses intentions de devenir gardien de but de football. Une décennie de conservatoire avant une entrée à l’Université de Fribourg pour étudier la musicologie et la littérature française. Lorsque surgit la crise sanitaire, la Suisse est en semi-confinement. La journée, il suit les cours en visio. La nuit, il ne se ment pas, compose et écrit viscéralement dans sa chambre d’étudiant ou le chalet familial.

La nuit, son espace d’abandon, son refuge, son exutoire. Il y trouve une incandescence intime, mélange de quiétude et d’inquiétude pour allumer une aurore autrement désirable. Nuit Incolore donc, une sorte d’avatar et d’extension de lui-même. Qui puise ses élans dans les mangas et les codes des séries, chez Aznavour, Kyo, Tsew The Kid. Ou dans la mythologie, la littérature (Sartre et Dante, en tête) et le lyrisme des bandes originales du studio Ghibli. Si Histoires de nuit 1 et 2 trouvent leur essence au sein du fictionnel, Insomnia opère une mue introspective. Errance existentielle qui atteint son apogée avec La loi du papillon.

L’album aurait d’ailleurs pu s’appeler aussi Psyché. En grec, cela désigne à la fois l’âme humaine et le papillon. Nuit Incolore s’empare ici du mythe pour une variation autour de la symbolique et dresser en même temps un parallèle inhérent à son adoption. Point de départ : une naissance inconnue. Arrivée : une élévation sous le feu des projecteurs. Entre les deux, le parcours initiatique de son âme, traversée par les épreuves que celle-ci doit franchir pour tendre vers le bonheur et une forme d’immortalité.

Du spleen, de l’auto-dépréciation, du livide, des doutes. L’humeur embrasse les remises en question et le manque de confiance en soi. De la pop mélancolique, émotive – à ne pas confondre avec lacrymal –, du lyrisme patraque, des percées urbaines, lo-fi (le final d’A l’inverse, où l’on entend les échos de sa chambre), des ballades tracassées (Paradoxe, en duo avec Mentissa). De l’épique aussi, à la manière de cette ouverture aux allures cinématographiques (L’envol).

Nuit Incolore aime les symboliques et les chansons à multiples lectures. Elles pullulent dans ce disque irrigué par la notion de voyage, écrit en studio, dans le chalet suisse, au Japon, dans les trains. Et même parfois en journée puisqu’il a été conçu avec le concours de producteurs et d’arrangeurs. Il y a là des états des lieux (Quand je vois mon âme), des amours à distance (Crush), des portraits sous influence Aznavour (La fille du kiosque). Nuit Incolore s’associe avec l’idole de son adolescence Tsew The Kid, son premier concert en tant que spectateur, pour une échappée sous couvert de cauchemars (Bêtes noires) ainsi qu’avec celle de son enfance Kyo (Rendez-vous).

Nuit Incolore dégaine sa pop mouvante et protéiforme, paré d’atours textuels sombres à la noirceur bouillonnante, sans jamais détourner le regard de mélodies. Il est sorti de sa chrysalide. Son âme est bel et bien debout.

Auteur compositeur interprète auvergnat prolifique, Jean-Louis Murat possède un statut à part dans le paysage de la chanson francophone.

Avec une carrière entamée au début des années 80 (par un premier single, ‘Suicidez-vous le peuple est mort’ qui posait le ton, et un accès assez à la notoriété notamment avec un duo avec Mylène Farmer, « Regrets », Jean-Louis Murat sort depuis près d’un album par an.

Soutenu très tôt par la presse (Libération en tête), ses derniers albums ont été quasiment systématiquement en partenariat France Inter ; il fait aussi régulièrement la couv’ des Inrocks.

Prolifique mais certainement pas répétitif, Jean-Louis Murat cherche toujours à creuser le sillon de la chanson française haut-de-gamme et à en renouveler ses contours à chaque album.

Proche de son auvergne natale, du monde paysan, lorgnant vers l’Amérique et son blues fondateur, Jean-Louis Murat est loué aussi par la poésie qu’on retrouve dans ses textes, imagés et impressionnistes, toujours en français.

Forçant l’admiration d’énormément d’artistes (Biolay, Christine & The Queens, Dominique A, Carla Bruni, Bertrand Belin – pour n’en citer que quelques-uns – autres saluent régulièrement son œuvre), d’écrivains ou d’acteurs (il a enregistré un album avec Isabelle Huppert, …), Jean-Louis Murat est un monument de la chanson française.

Ce nouvel album, La vrai vie de Buck John, intervient quelques mois après son dernier album studio (Baby Love), paru en mars 2020 et coupé en plein élan par la pandémie. Titres courts et radicaux, blues moderne et entraînant, Jean-Louis Murat rend un hommage déguisé à « Buck John », BD de western française qu’il lisait enfant et l’a plongé à la fois dans le monde de la lecture et des grandes mythologies américaines.

« Make me famous (rendez-moi célèbre) ». Dès les balbutiements du projet, le jeune belge de vingt et un ans avait annoncé la couleur sur ses réseaux sociaux. Injonction déterminée et joueuse qu’on retrouvait d’ailleurs inscrite sur un mug, élément visuel de la pochette de son EP Un jour, je où il apparaissait en présentateur de late show américain. En chanson, il assénait aussi : « Maman, un jour, je serai une superstar » (Menteur). Vite assimilé que Pierre de Maere impressionne par ses ambitions, son culot, son aplomb et dressé le constat que cette aspiration auto-proclamée suit une courbe à ascension rapide.

Deux salles parisiennes de renom à guichets fermés, la Cigale et la Trianon, juste sur la base d’un mini-album de six titres en poche. Et surtout un premier gros braquage commis avec Un jour je marierai un ange, morceau feelgood et d’un hédonisme sans bornes. La mélodie comme un refrain, le refrain une évidence et un personnage angélique issue d’une série comme impulsion thématique. Pendant que la chanson effectue un raz de marée de diffusions radios amplifié par un effet TikTok, le titre est certifié single de diamant (+ de 50 millions de streams France).

Tout clignote au vert pour ce garçon qui a appris à grandir dans sa campagne belge en s’arrangeant avec l’ennui. Un intuitif, un instinctif, un spontané, un autodidacte. Aucune formation théorique de quelque nature que ce soit mais un apprentissage de la musique devant le miroir et avec l’application Garage Band sur iPod Touch. Ne pas, non plus, s’attarder sur son passage express et contrarié aux Beaux-Arts d’Anvers l’année de sa majorité.

Dandy post-moderne, Pierre de Maere ne conduit pas vraiment au rétro. Il a tendance à regarder devant, loin sur les côtés, incrustant mode et image au sein du chemin emprunté pour se connaître. En parfait accord avec son époque, accessible, populaire et arty. Il y a chez lui un héritage en toute liberté, celui de prêcher pour la paroisse baroque d’une Lady Gaga ou d’un Lil Nas X. Celui d’avouer la perfection de Racine carrée de Stromae ou de se reconnaître dans la pop décomplexée de Yelle.

Sacré révélation masculine aux Victoires de la Musique en février dernier, le jeune Belge poursuit son ascension sur scène. Après avoir joué devant un Olympia à guichets fermés, il impressionne par ses talents de showman nés sur les scènes de festival de l’été 2023. Il se produira au Zénith de Paris le 28 mars 2024, seulement un an après avoir sorti son premier album “Regarde-moi”.

Entre slam et voix saturée, Terrier pose un chant brut, inspiré de la mélancolie d’une certaine chanson française à la Renaud ou Brel… Le tout sur des arrangements modernes oscillants entre pop et hip hop. Un style incisif et agressif qui atout d’un King Krule français !

Terrier est comme ces adultes rongés par leurs rêves et leursdouleurs d’adolescent maladroit. Tout d’abord compositeur de bandes originales (cinéma, séries, théâtre, pub…), Terrier se livre désormais avec des textes bruts et des mots parfois crus, mais toujours profondément
personnels.
Enfant des années 90, il a grandi sur les côtes de l’Atlantique et chante aujourd’hui une mélancolie pour sa nouvelle vie parisienne qui l’entoure. Unchant rauque qui oscille entre brutalité et douceur. Traînant son attitude nonchalante, il placarde ses textes comme des affiches sur des murs aux couleurs multiples… allant du punk à la pop, en passant par le hip hop. Le tout donne naissance à un univers sonore et visuel contrasté, et fait souffler un vent de défiance sur la chanson française.